Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Naturhistorischen Museums

Die Urskulptur der Kunstgeschichte, diese winzige Figur mit einer Höhe von etwas mehr als zehn Zentimetern, wurde 1908 in Österreich entdeckt. Niemand weiß, welche Funktion sie hatte, aber Vermutungen reichen von der Fruchtbarkeitsgöttin bis zur Masturbationshilfe. Einige Wissenschaftler vermuten, dass es sich möglicherweise um ein Selbstporträt einer Frau handelte. Es ist das berühmteste von vielen solchen Objekten aus der Altsteinzeit.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Wiki Media/Philip Pikart

Dieses Porträt ist ein Symbol weiblicher Schönheit, seit es 1912 erstmals in den Ruinen von Amarna ausgegraben wurde, der Hauptstadt, die vom umstrittensten Pharao der altägyptischen Geschichte erbaut wurde: Echnaton. Das Leben seiner Königin Nofretete ist etwas Geheimnisvolles: Es wird vermutet, dass sie nach Echnatons Tod eine Zeit lang als Pharao regierte – oder, was wahrscheinlicher ist, als Mitregentin des Knabenkönigs Tutanchamun. Einige Ägyptologen glauben, dass sie tatsächlich Tuts Mutter war. Es wird angenommen, dass diese mit Stuck überzogene Kalksteinbüste das Werk von Thutmosis, dem Hofbildhauer Echnatons, ist.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Bei der 1974 entdeckten Terrakotta-Armee handelt es sich um eine riesige Sammlung von Tonstatuen, die in drei riesigen Gruben in der Nähe des Grabes von Shi Huang, dem ersten Kaiser Chinas, begraben sind, der 210 v. Chr. starb. Die Armee, die ihn im Jenseits beschützen sollte, wird Schätzungen zufolge aus mehr als 8.000 Soldaten sowie 670 Pferden und 130 Streitwagen bestehen. Jedes ist lebensgroß, die tatsächliche Größe variiert jedoch je nach militärischem Rang.

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Die vielleicht berühmteste Skulptur der römischen Antike,Laokoon und seine Söhnewurde ursprünglich 1506 in Rom ausgegraben und in den Vatikan gebracht, wo es sich bis heute befindet. Es basiert auf dem Mythos eines trojanischen Priesters, der zusammen mit seinen Söhnen von Seeschlangen getötet wurde, die der Meeresgott Poseidon als Vergeltung für Laokoons Versuch, die List des Trojanischen Pferdes aufzudecken, geschickt hatte. Diese lebensgroße Figurengruppe, die ursprünglich im Palast des Kaisers Titus installiert wurde und einem Trio griechischer Bildhauer von der Insel Rhodos zugeschrieben wird, ist als Studie menschlichen Leidens konkurrenzlos.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Michelangelos David, eines der ikonischsten Werke der gesamten Kunstgeschichte, entstand aus einem größeren Projekt, bei dem die Strebepfeiler der großen Kathedrale von Florenz, dem Dom, mit einer Gruppe von Figuren aus dem Alten Testament geschmückt wurden. DerDavidwar einer und wurde tatsächlich 1464 von Agostino di Duccio begonnen. In den nächsten zwei Jahren gelang es Agostino, einen Teil des riesigen Marmorblocks aus dem berühmten Steinbruch in Carrara herauszuarbeiten, bevor er 1466 damit aufhörte. (Niemand weiß warum.) Ein anderer Künstler kümmerte sich um die Arbeit, aber auch er nur habe kurz daran gearbeitet. Der Marmor blieb die nächsten 25 Jahre unberührt, bis Michelangelo im Jahr 1501 mit der Schnitzerei fortfuhr. Er war damals 26 Jahre alt. Als er fertig war, wog der David sechs Tonnen und konnte daher nicht auf das Dach der Kathedrale gehoben werden. Stattdessen wurde es direkt vor dem Eingang des Palazzo Vecchio, dem Rathaus von Florenz, ausgestellt. Die Figur, eine der reinsten Destillationen des Hochrenaissance-Stils, wurde von der florentinischen Öffentlichkeit sofort als Symbol des Widerstands des Stadtstaates gegen die ihm entgegenstehenden Mächte angenommen. Im Jahr 1873 wurde dieDavidwurde in die Accademia-Galerie verlegt und eine Nachbildung an ihrem ursprünglichen Standort installiert.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Gian Lorenzo Bernini gilt als Begründer des hochrömischen Barockstils und schuf dieses Meisterwerk für eine Kapelle in der Kirche Santa Maria della Vittoria. Der Barock war untrennbar mit der Gegenreformation verbunden, mit der die katholische Kirche versuchte, die Welle des Protestantismus einzudämmen, die im Europa des 17. Jahrhunderts aufkam. Kunstwerke wie das von Bernini waren Teil des Programms zur Bekräftigung des päpstlichen Dogmas, was hier durch Berninis Genie, religiöse Szenen mit dramatischen Erzählungen zu erfüllen, gut zur Geltung kam.Ekstaseist ein typisches Beispiel: Sein Thema – die heilige Teresa von Ávila, eine spanische Karmeliterin und Mystikerin, die über ihre Begegnung mit einem Engel schrieb – wird gerade dargestellt, als der Engel gerade dabei ist, einen Pfeil in ihr Herz zu stoßen.EkstaseDie erotischen Untertöne sind unverkennbar, am offensichtlichsten im Orgasmusausdruck der Nonne und dem sich windenden Stoff, der beide Figuren umhüllt. Bernini war sowohl Architekt als auch Künstler und entwarf auch den Rahmen der Kapelle aus Marmor, Stuck und Farbe.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Der italienische Künstler Antonio Canova (1757–1822) gilt als der größte Bildhauer des 18. Jahrhunderts. Sein Werk verkörperte den neoklassizistischen Stil, wie Sie an seiner Darstellung des griechischen mythischen Helden Perseus in Marmor sehen können. Canova hat tatsächlich zwei Versionen des Stücks angefertigt: Eine befindet sich im Vatikan in Rom, während die andere im Europäischen Skulpturenhof des Metropolitan Museum of Art steht.

Foto: Das Metropolitan Museum of Art

Während der Meister des Impressionismus, Edgar Degas, vor allem als Maler bekannt ist, arbeitete er auch in der Bildhauerei und schuf damit das wohl radikalste Werk seines Oeuvres. Degas gestaltetDie kleine vierzehnjährige Tänzerinaus Wachs (aus dem nach seinem Tod im Jahr 1917 spätere Bronzekopien gegossen wurden), aber die Tatsache, dass Degas sein gleichnamiges Motiv in ein echtes Ballettkostüm (komplett mit Mieder, Tutu und Hausschuhen) und eine Perücke aus echtem Haar kleidete, sorgte damals für AufsehenTänzerPremiere auf der Sechsten Impressionistenausstellung 1881 in Paris. Degas entschied sich dafür, die meisten seiner Verzierungen mit Wachs zu bedecken, um sie an die übrigen Gesichtszüge des Mädchens anzupassen, aber er behielt das Tutu und ein Band, das ihr Haar zurückgebunden hatte, so wie sie waren, was die Figur zu einem der ersten Beispiele für gefundene Objekte machte Kunst.Tänzerwar die einzige Skulptur, die Degas zu seinen Lebzeiten ausstellte; Nach seinem Tod wurden etwa 156 weitere Exemplare in seinem Atelier gefunden.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Philadelphia Museum of Art

Während die meisten Menschen den großen französischen Bildhauer Auguste Rodin damit assoziierenDer DenkerDieses Ensemble erinnert an einen Vorfall während des Hundertjährigen Krieges (1337–1453) zwischen Großbritannien und Frankreich und ist für die Geschichte der Bildhauerei von größerer Bedeutung. Auftrag für einen Park in der Stadt Calais (wo eine einjährige Belagerung durch die Engländer im Jahr 1346 aufgehoben wurde, als sich sechs Stadtälteste im Austausch für die Verschonung der Bevölkerung zur Hinrichtung anboten),Die Bürgerverzichtete auf das für damalige Denkmäler typische Format: Statt isolierter oder zu einer Pyramide auf einem hohen Sockel gestapelter Figuren baute Rodin seine lebensgroßen Motive direkt auf dem Boden auf, auf gleicher Höhe mit dem Betrachter. Dieser radikale Schritt in Richtung Realismus brach mit der heroischen Behandlung, die solchen Werken im Freien normalerweise zuteil wird. MitDie BürgerRodin machte einen der ersten Schritte in Richtung moderner Skulptur.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Flickr/Wally Gobetz

Im Jahr 1912 schuf Picasso ein Kartonmodell, das einen überragenden Einfluss auf die Kunst des 20. Jahrhunderts haben sollte. Auch in der Sammlung des MoMA war eine Gitarre abgebildet, ein Thema, mit dem sich Picasso häufig in Gemälden und Collagen auseinandersetzte, und in vielerlei HinsichtGitarreübertrug die Ausschneide- und Einfügetechniken der Collage von zwei auf drei Dimensionen. Das Gleiche galt auch für den Kubismus, indem flache Formen zusammengesetzt wurden, um eine facettenreiche Form mit sowohl Tiefe als auch Volumen zu schaffen. Picassos Innovation bestand darin, auf das herkömmliche Schnitzen und Modellieren einer Skulptur aus einer massiven Masse zu verzichten. Stattdessen,Gitarrewar wie eine Struktur aneinander befestigt. Diese Idee würde vom russischen Konstruktivismus bis zum Minimalismus und darüber hinaus nachhallen. Zwei Jahre nach der HerstellungGitarreaus Pappe, Picasso schuf diese Version aus geschnittenem Blech

Foto: Das Metropolitan Museum of Art

Von seinen radikalen Anfängen bis zu seiner endgültigen faschistischen Inkarnation schockierte der italienische Futurismus die Welt, aber kein einziges Werk veranschaulichte das schiere Delirium der Bewegung besser als diese Skulptur eines ihrer führenden Köpfe: Umberto Boccioni. Boccioni begann als Maler und wandte sich nach einer Reise nach Paris im Jahr 1913, bei der er die Ateliers mehrerer avantgardistischer Bildhauer dieser Zeit wie Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon und Alexander Archipenko besichtigte, der dreidimensionalen Arbeit zu. Boccioni fasste ihre Ideen in diesem dynamischen Meisterwerk zusammen, das eine schreitende Figur zeigt, die sich in einer „synthetischen Kontinuität“ der Bewegung befindet, wie Boccioni es beschrieb. Das Stück wurde ursprünglich aus Gips gefertigt und erst 1931 in seiner bekannten Bronzeversion gegossen, lange nach dem Tod des Künstlers im Jahr 1916 als Mitglied eines italienischen Artillerieregiments während des Ersten Weltkriegs.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Der in Rumänien geborene Brancusi war einer der bedeutendsten Bildhauer der Moderne des frühen 20. Jahrhunderts – und tatsächlich eine der bedeutendsten Figuren in der gesamten Geschichte der Bildhauerei. Als eine Art Proto-Minimalist nahm Brancusi Formen aus der Natur und formte sie zu abstrakten Darstellungen. Sein Stil wurde von der Volkskunst seiner Heimat beeinflusst, die oft lebendige geometrische Muster und stilisierte Motive aufwies. Er machte auch keinen Unterschied zwischen Objekt und Basis und behandelte sie in bestimmten Fällen als austauschbare Komponenten – ein Ansatz, der einen entscheidenden Bruch mit bildhauerischen Traditionen darstellte. Dieses ikonische Stück ist ein Porträt seines Modells und seiner Geliebten Margit Pogány, einer ungarischen Kunststudentin, die er 1910 in Paris kennengelernt hatte. Die erste Wiederholung wurde in Marmor geschnitzt, gefolgt von einer Gipskopie, aus der diese Bronze gefertigt wurde. Der Gips selbst wurde in New York auf der legendären Armory Show von 1913 ausgestellt, wo er von Kritikern verspottet und an den Pranger gestellt wurde. Es war aber auch das am häufigsten reproduzierte Stück der Ausstellung. Brancusi arbeitete an verschiedenen Versionen vonMlle Poganyseit rund 20 Jahren.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Museum of Modern Art

Fahrradradgilt als das erste von Duchamps revolutionären Readymades. Als er das Stück jedoch in seinem Pariser Atelier fertigstellte, hatte er wirklich keine Ahnung, wie er es nennen sollte. „Ich hatte die glückliche Idee, ein Fahrradrad an einem Küchenhocker zu befestigen und zuzusehen, wie es sich dreht“, sagte Duchamp später. Es bedurfte einer Reise nach New York im Jahr 1915 und der Auseinandersetzung mit der enormen Produktion fabrikgefertigter Waren der Stadt, bis Duchamp auf den Begriff „Readymade“ kam. Noch wichtiger war, dass ihm klar wurde, dass es im Industriezeitalter sinnlos erschien, Kunst auf traditionelle, handwerkliche Weise zu schaffen. Warum sollte man sich die Mühe machen, postulierte er, wenn weithin verfügbare Fertigprodukte die Aufgabe erfüllen könnten? Für Duchamp war die Idee hinter dem Kunstwerk wichtiger als die Art und Weise, wie es gemacht wurde. Diese Vorstellung – vielleicht das erste wirkliche Beispiel für Konzeptkunst – würde die Kunstgeschichte in Zukunft völlig verändern. Ähnlich wie ein gewöhnlicher Haushaltsgegenstand, jedoch originalFahrradradnicht erhalten: Bei dieser Version handelt es sich tatsächlich um eine Replik aus dem Jahr 1951.

Foto: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Ein beliebter Bestandteil der ständigen Sammlung des Whitney Museums.Calders Zirkusdestilliert die spielerische Essenz, die Alexander Calder (1898–1976) als Künstler zur Geltung brachte, der die Skulptur des 20. Jahrhunderts mitgestaltete.Zirkus, das während der Zeit des Künstlers in Paris entstand, war weniger abstrakt als seine hängenden „Mobiles“, aber auf seine Art war es genauso kinetisch: Hauptsächlich aus Draht und Holz gefertigt,Zirkusdiente als Herzstück für Improvisationsdarbietungen, bei denen Calder sich wie ein gottähnlicher Zirkusdirektor um verschiedene Figuren bewegte, die Schlangenmenschen, Schwertschlucker, Löwenbändiger usw. darstellten.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung des J. Paul Getty Museum

Der französische Künstler Aristide Maillol (1861–1944) ist sowohl Maler und Wandteppichdesigner als auch Bildhauer und lässt sich am besten als moderner Neoklassizist beschreiben, der der traditionellen griechisch-römischen Bildhauerei eine stromlinienförmige Interpretation des 20. Jahrhunderts verlieh. Man könnte ihn auch als radikalen Konservativen bezeichnen, obwohl man bedenken sollte, dass selbst avantgardistische Zeitgenossen wie Picasso nach dem Ersten Weltkrieg Werke in einer Adaption des neoklassizistischen Stils schufen. Maillols Motiv war der weibliche Akt und inHöhle, hat er einen Kontrast zwischen der materiellen Masse seines Motivs und der Art und Weise geschaffen, wie es im Raum zu schweben scheint – und so ein Gleichgewicht zwischen hartnäckiger Körperlichkeit und flüchtiger Präsenz geschaffen.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Flickr/C-Monster

Kusama, eine japanische Künstlerin, die in verschiedenen Medien arbeitet, kam 1957 nach New York und kehrte 1972 nach Japan zurück. In der Zwischenzeit etablierte sie sich als eine der Hauptfiguren der Downtown-Szene, deren Kunst viele Bereiche berührte, darunter Pop Art und Minimalismus und Performance-Kunst. Als Künstlerin, die sich oft auf die weibliche Sexualität bezog, war sie auch eine Vorreiterin der feministischen Kunst. Kusamas Arbeit ist oft durch halluzinogene Muster und Wiederholungen von Formen gekennzeichnet, eine Neigung, die auf bestimmten psychischen Zuständen – Halluzinationen, Zwangsstörungen – beruht, unter denen sie seit ihrer Kindheit leidet. Alle diese Aspekte von Kusumas Kunst und Leben spiegeln sich in diesem Werk wider, in dem ein gewöhnlicher, gepolsterter Sessel auf beunruhigende Weise von einem plagenähnlichen Ausbruch phallischer Ausstülpungen aus genähtem Stoff überwuchert wird.

Foto: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Marisol Escobar (1930–2016), einfach unter ihrem Vornamen bekannt, wurde in Paris als Tochter venezolanischer Eltern geboren. Als Künstlerin wurde sie mit der Pop-Art und später mit der Op-Art in Verbindung gebracht, obwohl sie stilistisch keiner der beiden Gruppen angehörte. Stattdessen schuf sie figurative Tableaus, die als feministische Satiren auf Geschlechterrollen, Berühmtheit und Reichtum gedacht waren. InFrauen und HundSie befasst sich mit der Objektivierung von Frauen und der Art und Weise, wie von Männern auferlegte Standards der Weiblichkeit genutzt werden, um sie zur Anpassung zu zwingen.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Flickr/Rocor

Die Brillo Box ist vielleicht die bekannteste einer Reihe skulpturaler Werke, die Warhol Mitte der 60er Jahre schuf und die seine Untersuchung der Popkultur effektiv in drei Dimensionen erweiterte. Getreu dem Namen, den Warhol seinem Studio – der Factory – gegeben hatte, stellte der Künstler Tischler ein, die an einer Art Fließband arbeiteten und Holzkisten in Kartonform für verschiedene Produkte zusammennagelten, darunter Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes und Campbell's Soup Nun, Brillo-Seifenpads. Anschließend bemalte er jede Schachtel in einer Farbe, die zum Original passte (weiß im Fall von Brillo), bevor er den Produktnamen und das Logo im Siebdruck hinzufügte. Die in mehreren Exemplaren hergestellten Kisten wurden oft in großen Stapeln gezeigt und verwandelten die Galerie, in der sie sich befanden, in ein hochkulturelles Faksimile eines Lagerhauses. Ihre Form und Serienproduktion war vielleicht eine Anspielung – oder Parodie – auf den damals aufkommenden minimalistischen Stil. Aber der eigentliche Sinn vonBrillo-Boxist, wie seine enge Annäherung an die Realität künstlerische Konventionen untergräbt, indem es impliziert, dass es keinen wirklichen Unterschied zwischen hergestellten Waren und Arbeiten aus dem Atelier eines Künstlers gibt.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Flickr/Esther Westerveld

Donald Judds Name ist ein Synonym für Minimal Art, die Bewegung der Mitte der 60er Jahre, die den rationalistischen Stil der Moderne auf das Wesentliche reduzierte. Für Judd bedeutete Skulptur, die konkrete Präsenz des Werks im Raum zu artikulieren. Diese Idee wurde mit dem Begriff „spezifisches Objekt“ beschrieben, und während andere Minimalisten sie aufgriffen, gab Judd der Idee wohl ihren reinsten Ausdruck, indem er die Schachtel als seine charakteristische Form übernahm. Wie Warhol stellte er sie als sich wiederholende Einheiten her und verwendete dabei Materialien und Methoden, die der industriellen Fertigung entlehnt waren. Anders als Warhols Suppendosen und Marilyns bezog sich Judds Kunst auf nichts außerhalb ihrer selbst. Seine „Stacks“ gehören zu seinen bekanntesten Stücken. Jeder besteht aus einer Gruppe identisch flacher Kästen aus verzinktem Blech, die aus der Wand herausragen und eine Säule aus gleichmäßig verteilten Elementen bilden. Aber Judd, der als Maler begann, interessierte sich genauso für Farbe und Textur wie für die Form, wie hier am grün getönten Karosserielack zu sehen ist, der auf die Vorderseite jeder Box aufgetragen wurde. Judds Zusammenspiel von Farbe und Material gibtOhne Titel (Stapel)eine anspruchsvolle Eleganz, die seinen abstrakten Absolutismus mildert.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Flickr/Rocor

Wie Benglis war Hesse eine Künstlerin, die den Postminimalismus durch ein wohl feministisches Prisma filterte. Als Jüdin, die als Kind aus Nazi-Deutschland floh, erforschte sie organische Formen und schuf Stücke aus industriellem Fiberglas, Latex und Seilen, die an Haut oder Fleisch, Genitalien und andere Körperteile erinnerten. Angesichts ihres Hintergrunds ist es verlockend, in Werken wie diesem einen Unterton von Trauma oder Angst zu finden.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Museum of Modern Art

Nach Judd und Flavin löste sich eine Gruppe von Künstlern von der Ästhetik der klaren Linien des Minimalismus. Als Teil dieser postminimalistischen Generation übertrug Richard Serra das Konzept des spezifischen Objekts auf Steroide, vergrößerte dessen Maßstab und Gewicht erheblich und machte die Gesetze der Schwerkraft zu einem integralen Bestandteil der Idee. Er schuf prekäre Balanceakte aus tonnenschweren Stahl- oder Bleiplatten und -rohren, die dem Werk eine bedrohliche Wirkung verliehen. (Bei zwei Gelegenheiten wurden Monteure, die Serra-Teile installierten, getötet oder verstümmelt, als das Werk versehentlich einstürzte.) In den letzten Jahrzehnten hat Serras Arbeit eine krummlinige Verfeinerung angenommen, die sie äußerst beliebt gemacht hat, aber in der Anfangsphase waren Werke wie One Ton Prop (House of Cards), das aus vier aneinandergelehnten Bleiplatten besteht, drückte seine Anliegen mit brutaler Direktheit aus.

Foto: Mit freundlicher Genehmigung von CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Dem allgemeinen gegenkulturellen Trend in den 1960er und 1970er Jahren folgend, begannen Künstler, sich gegen den Kommerzialismus der Galeriewelt aufzulehnen und radikal neue Kunstformen wie Erdarbeiten zu entwickeln. Die führende Figur dieses Genres, auch Land Art genannt, war Robert Smithson (1938–1973), der sich zusammen mit Künstlern wie Michael Heizer, Walter De Maria und James Turrel in die Wüsten des Westens der Vereinigten Staaten wagte, um monumentale Werke zu schaffen handelten im Einklang mit ihrer Umgebung. Bei diesem ortsspezifischen Ansatz, wie er später genannt wurde, wurden oft direkt aus der Landschaft entnommene Materialien verwendet. Dies ist bei Smithson's der FallSpiralsteg, der von Rozel Point am nordöstlichen Ufer des Sees in den Great Salt Lake in Utah hineinragt. Hergestellt aus vor Ort gewonnenem Schlamm, Salzkristallen und Basalt.Spiral Jetty-Maßnahmen1.500 mal 15 Fuß. Es lag jahrzehntelang unter dem See, bis eine Dürre Anfang der 2000er Jahre es wieder an die Oberfläche brachte. Im Jahr 2017Spiralstegwurde zum offiziellen Kunstwerk von Utah ernannt.

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Das Signaturwerk des in Frankreich geborenen Künstlers,Spinneentstand Mitte der 1990er Jahre, als Bourgeois (1911-2010) bereits in den Achtzigern war. Es existiert in zahlreichen Versionen unterschiedlichen Maßstabs, darunter auch einige, die monumental sind.Spinneist als Hommage an die Mutter des Künstlers gedacht, eine Wandteppich-Restauratorin (daher die Anspielung auf die Vorliebe des Spinnentiers, Netze zu spinnen).

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Antony Gormley, Gewinner des prestigeträchtigen Turner-Preises im Jahr 1994, ist einer der berühmtesten zeitgenössischen Bildhauer im Vereinigten Königreich, aber er ist auch auf der ganzen Welt für seine einzigartige Sicht auf figurative Kunst bekannt, die auf großen Variationen in Maßstab und Stil basiert. größtenteils nach der gleichen Vorlage: Ein Abguss des eigenen Körpers des Künstlers. Das gilt für dieses riesige Flügeldenkmal in der Nähe der Stadt Gateshead im Nordosten Englands. An einer Hauptverkehrsstraße gelegen,Engelerreicht eine Höhe von 66 Fuß und eine Breite von 177 Fuß von Flügelspitze zu Flügelspitze. Laut Gormley soll das Werk eine Art symbolisches Zeichen zwischen der industriellen Vergangenheit Großbritanniens (die Skulptur befindet sich im Kohleland Englands, dem Herzen der industriellen Revolution) und seiner postindustriellen Zukunft darstellen.

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Von den Chicagoern wegen ihrer gebogenen Ellipsoidform liebevoll „The Bean“ genannt,Wolkentor, Anish Kapoors öffentliches Kunstzentrum für den Millennium Park der Second City, ist sowohl Kunstwerk als auch Architektur und bietet einen Instagram-tauglichen Torbogen für Sonntagsspaziergänger und andere Besucher des Parks. Hergestellt aus verspiegeltem Stahl,WolkentorDas Fun-House-Reflexionsvermögen und die Größe machen es zu Kapoors bekanntestem Stück.

Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Greene Naftali, New York

Rachel Harrisons Arbeit verbindet einen vollendeten Formalismus mit einem Gespür dafür, scheinbar abstrakten Elementen mehrere Bedeutungen zu verleihen, darunter auch politische. Sie stellt die Monumentalität und das damit verbundene männliche Vorrecht heftig in Frage. Harrison schafft den Großteil ihrer Skulpturen, indem sie Styroporblöcke oder -platten stapelt und anordnet, bevor sie sie mit einer Kombination aus Zement und malerischen Schnörkeln überzieht. Das Sahnehäubchen ist eine Art Fundstück, entweder allein oder in Kombination mit anderen. Ein Paradebeispiel ist diese Schaufensterpuppe auf einer länglichen, mit Farbspritzern bespritzten Form. Das Werk, das einen Umhang und eine nach hinten gerichtete Abraham-Lincoln-Maske trägt, erinnert an die Geschichtstheorie des großen Mannes, indem es an den Eroberer der Antike erinnert, der aufrecht auf einem clownfarbenen Felsen steht.